What happens when togetherness becomes threeness? »All In« deals with triadic love relationships in which three people meet in the constellation of a triangle. Loving as a threesome questions just about everything we think we know about love, and requires the participants to enter a new terrain where there are few experiences and templates to fall back on. Three performer:s weave together collected interview material from people with triadic relationship experience into a polyphonic web of acting, dancing and singing that foregrounds the diversity of love forms. The socially accepted dual relationship model is questioned and encouraged to think differently about love and to open up new spaces and possibilities. And not just for love, but for all areas of life in which we limit ourselves by clinging to seemingly fixed models.   Daniel Hellmann is a dance and theater maker, singer and performer living and working between Zurich and Berlin. Layton Lachman is a performer, dancer and choreographer who has recently moved to Berlin after seven years of working in San Francisco. Anne Welenc is an actress and performance artist living in Berlin. All In is the first joint work of the three artists.

Daniel is a sex worker. In the solo performance »Traumboy« he tells about his experiences as a prostitute. He tells why he took up this work, describes his customers and their wishes. The audience experiences a young man who loves to prostitute himself. The only problem: the stigma. Kim is an actress. She is also a sex worker, once sold soap, is a barmaid, German, Polish… In »Traumgirl« Kim negotiates what it is like to work in the border area between “real work”, performance and so-called “dirty work”. »Traumboy and Traumgirl« move between documentary theater and autofiction and question the double standards of a thoroughly capitalized and oversexualized society as well as the meaning of sex and work in the neoliberal system. The bodies on stage become projection surfaces for fears, fantasies and contradictions. What is a woman/man allowed to reveal about herself? What not? And who pays the price? Daniel Hellmann is a dance and theater maker, singer and performer. His works examine bodies, bodily relationships and desire, and question social norms in the fields of sexuality, human and animal rights. After »Requiem for a Piece of Meat« and »All In«, »Traumboy« is the third work Daniel Hellmann presents at Ballhaus Ost. Anne Welenc is an actress and performer. Her works are research-based and deal with transcendence. She is interested in combining clear narratives with surreal elements.

The devised play tells of a porter. An outsider who works where others live. In the lobby in a city that never sleeps. A story about a working cosmos, the American Dream and a character that collapses when it can no longer be itself.

Meta Imbiss, founded by Stella Nikisch and Nathalie Schatz, mixes pop culture with theater, thinks content and aesthetics together and likes to collaborate, in short: it stands for fire, fun and fashion.

In his documentary »barfuß und ohne hut« (“barefoot and without a hat”), Jürgen Böttcher portrayed “Young People” (the working title at the time) with their visions of the future in the free space between school and working life in 1964. In the middle of Wedding, the Humboldthain Club will now be transformed into a beach bar on the Baltic Sea coast, where six performers will venture a reenactment with the audience: with music, in exhilaration, in movement, but also in relaxation, they will compare scenes from the film with their own professional hopes and desires.

Sebastian Mauksch & Team stage participatory theater for children and young people and research the art of adolescence for the Berliner Festspiele. Their works have been invited to AUGENBLICK MAL! – The Festival of Theater for Young Audiences as well as to WILDWECHSEL – The Children’s & Youth Theater Festival in Eastern Germany, among others.

Lisa Verbelen will not make a solo this time. In »TWO.« she forms a duo with celebrated jazz musician Hendrik Lasure.»TWO.« is an exercise to reverse thinking in opposites and to experience what is in between two extremes. Expect a musical and theatrical concert, words and music that make you feel and think, both hard and soft, both dark and light, with smoke and fire, water in the desert, not ugly nor beautiful, all yin and yang, about you and me.

Lisa Verbelen (1988) studied Theatrical Performance at De Toneelacademie in Maastricht, and a Master in Music Theatre at the Conservatory of Den Haag.  Together with five others, Lisa founded the theatre collective BOG. in 2013. BOG. is based in Amsterdam, The Netherlands and creates performances based on texts written by the creators themselves.  

Hendrik Lasure (1997) studied piano at the Royal Conservatory of Brussels and was awarded with the Toots Thielemans Jazz Award at his graduation in 2017.  Hendrik is a musical jack of all trades, known for his band SCHNTZL, the ensemble Warm Bad, the trio Thunderblender, or APQ, or Bombataz or in the band of An Pierlé.

Margarete Huber »Kartographie« (2022, UA)

Rebecca Saunders »O« (2017) 

Travis Just »Quintet 1: Five Voices« (2006/ Version 2022) 

Andrea Neumann »Rencontre 5« (2022, UA)

Boris Filanovsky »Mariupol« (2022, UA)

The program »The extended voice« will present vocal music of the 21st century in the thematic field opened by the coordinates of ‘extended vocal techniques’, ‘language as musical material’ and ‘voice as physicality in movement’.

The Maulwerkers are a vocal ensemble, music performers, music theater makers and a collective of composers. They are specialists in the intersections of music and theater, music and language, in the interpenetration of music and space, of sound and silence.

The Maulwerkers present brand new pieces, freshly written for them, show you the special sounds they have developed and perfected over the years and teach you these extended techniques. Together we will make the Ballhaus Ost ring with our bubbling, shouting, warbling, hissing and much more!

The Maulwerkers are a vocal ensemble, music performers, music theater makers and a collective of composers. They are specialists in the intersections of music and theater, music and language, in the interpenetration of music and space, of sound and silence.

At SCHRUMPF! Berlin ensembles present their current productions – in family format. New art forms are discovered, places explored, movements tried out, sounds listened to – and everyone can join in.

Daniella Strasfogel is a violinist, performer and facilitator in Berlin. She is a founding member of the soloist ensemble Kaleidoskop in Berlin and founded LOUDsoft in 2018, out of the impulse to create multidimensional musical experiences for and with families.

. . . in the dark, starry sky in the middle of the sea — still mirroring water — I cannot tell where the line is between sea and sky; looking into my own eyes, I see both reality and fantasy reflecting back at me . . . 

I have met several selves of mine: so I am never alone; I’m not only one thing, I’m not only my body. I am a question mark.  »ANAL.IZANDO« exists within this ____?____ as a continuous transformation through non-binary figures — mythological, technological, corporal and non-corporal, — as projections of my utopian consciouses. Flowing through a constant state of becoming, it oscillates in an ecstasy of multi-layered selves. This solo performance outlines the complex and paradoxical endeavour of embracing a constant state of change, embracing reflection, shadow, ecstasy, and my question mark, while re-writing pleasure into the stories we tell about transformation and becoming. 

ronald berger is a non-binary dancer and performer from Costa Rica based in Berlin. Their connection to nature and its performative qualities influenced ronald. The conflict between their sexuality and the strong catholic and chauvinist context of their natal country, inspires debates, analysis and questions regarding social behavior. 

N O T E:

The play explores themes of sexuality, among other things, and includes depictions of nudity.

Stroboscopic effects are used in this performance.

»Planet Lubunya« is a queer sci-fi journey into space with multidisciplinary performative practices and live music. It is a critical journey into space searching for ultimate utopia while using humor as a vehicel.

The project was initiated by İrem Aydın (Berlin) and Efe Durmaz (İstanbul) in 2020 as a format for digital solidarity between queer people in Turkey and Germany. It now takes off as a theater production with (mainly) Berlin based artists and is heading towards interstellar collaborations with artists from a multitude of places.

At the annual small town folk festival, two former best friends meet again after a long radio silence. Anna’s career as a racer has taken off in the meantime and Milena is in the middle of her quarterlife crisis. Between Gasoline Queen choices and BFF memories, they try to revive their relationship and face their life choices.

A queer musical about friendship, Y2K nostalgia, the absurdity of heteronormative traditions and everyday competitive culture.

cmd+c was founded by the couple Marina Prados and Paula Knüpling with the intention to create queer structures in front of and behind the stage and to deal with them in a fair, respectful and creative way. Works have already been seen at Volksbühne, Schaubude and Ballhaus Ost, most recently »Ladybitch – ein Theaterabend über den Untergang Franz Kramers«

Since the performances cannot take place due to illness, the recording of last year’s Zoom Krippenspiel will be shown here on the website on 24.12. from 11:00 to 2:30.

What would happen if Christmas didn’t exist?
Christmas is the most beautiful celebration of the year for most people, and yet everything often happens at the last minute. Many people associate Christmas only with stress and agony: Rushing through the stores to get the necessary, increasingly expensive gifts. But in a time of frantic speed, we need things to give us pause. We need Christmas to be able to live. A wintry world celebrates the breakthrough of love and hope.
God sends his Son to earth as a little helpless child. We experience God’s closeness to humanity. He shares his life with us, knows about joy and sorrow. He gives us hope, shows us how small beginnings can grow into great things. But it came to pass at that time…”, we all know the beginning of this story and also its end, but in the meantime the world has changed.
This year again we want to celebrate a morning of joy and reflection with memories and shining children’s eyes, a classic nativity play.

Six performers exchange their biographies with each other. Biographies as texts and postures that are stored in our bodies. A jaw dances the posture choreo of the will to rise, a back wheel has internalized the perfect turn of shame. Every biography is a singular narrative that never belongs to us alone.

The performance collective SEE! (SE Struck, Alexandra Knieps) from Cologne has been developing hybrid performance formats since 2005, staging open networks with a self-sufficient formal language that always addresses communalization and participation on theater stages and in urban social contexts. They were at Ballhaus Ost for the first time in 2018 with »ok panik« and most recently presented the dance solo »Sonderbare IRRE«, which was already their third invitation to the theater festival FAVORITEN.

As part of NO LIMITS – Disability & Performing Arts Festival 2022

“Who actually says what is sick – and what is healthy? As gods in white, the vorschlag:hammer collective and Theater Hora question supposed certainties of the health system – and have a lot of fun in the process.” (Valeria Heintges, nachtkritik.de)

N O T E:

The performance takes place with the auditorium darkened and the topics of hospital, surgery and death are discussed.

As part of NO LIMITS – Disability & Performing Arts Festival 2022

Nominated for the 2021 National Dance Awards the intimate performance is a peep into the shiny and sweaty push pull of living with shame while bursting with pride.

N O T E: 

The play is recommended for audiences 16 and older. In it there are depictions of kink experiences, suffocation, humiliation, dominant behavior and explicit sexuality and language, and feelings of strangeness are described. Part of the performance is loud noises, flashing lights and sexy people with disabilities.

If the climate and corona crises make us aware of our fragility, Sebastian Blasius and his accomplices experiment in five prototypical etudes with a theater model that starts from precisely these experiences: What are the potentials of a ‘theater of the unsovereign’?

The director, choreographer and theater scholar Sebastian Blasius realizes projects at the interface of performing, visual and acoustic arts. At Ballhaus Ost, he most recently showed »Die Räuber der Geschichte«.

On Nov. 25, 2022, following the performance, there will be a conversation with the team, »Vom Versuch, Theater von Fragilität ausgehend zu denken,« moderated by Dr. Marcus Quent (University of the Arts, Berlin).

A film whose image does not show itself. An exhibition whose context is missing. A song without artists. A piece within a piece without a piece. Identities that flush down the toilet. »Sexy Straight White People« is a theatrical performance about the power of gender identities. vT.corp challenge habits of seeing, living and sexing to question the lifestyles and loves of the heteronormative mainstream.

Hannah Müller and Max Gadow are a sexy white artist couple from Hamburg. Known as virtuellestheater since 2015 and merged into vT.corp at the beginning of 2020, they are already a well-established team at Ballhaus Ost. Most recently, they invited friends to spend time with them as part of “It’s about time”. Very close to the zeitgeist and extremely adept at transforming between the arts, their performances form hybrids of video art, performing arts, music and exhibition.

13 queer artists are developing a collection of multi-media artworks – an EP, a book, films, an online archive, and a live event – in response to the queer language Damiá and the political and artistic questions it raises.

The work is available digitally via a website archive – www.queertongue.com – and in limited edition analog formats. On December 02, 2022, the EP will be released online.

Once upon a time there was a fan from Thuringia. He was enchanted by a famous tennis player from West Germany. But one day, a nasty, moaning opponent from Yugoslavia appeared on the scene….

The piece tells the story of the attack on tennis star Monica Seles in the context of the global political events in the early 1990s and seeks ways out of media tales of good and evil, East and West, perpetrator and victim.

In his work as a director Demjan Duran deals with his country of birth, Yugoslavia. By researching the past, he digs out themes into and for today, and places them in an overall social context. »Ein Fan aus Thüringen« is his first piece in Berlin.

The documentary performance deals with the meaning of the body – the flesh – in today’s society. Three performers navigate through live music, live video and pan-European interviews with protagonists from the porn industry, the church, the food industry, and many more.

N O T E :
Part of the performance includes loud noises and flickering lights.

The multimedia performance is an allegorical performance-essay that speculates about the possibilities of returning to a primordial state of fluid equality amongst all lifeforms. With little action and much space for mind-wondering it invites to linger and digress while listening to atmospheric water sounds, pounding bass drums or the seductive voice of Baby Marcel.

In his works Max Gadow focuses on the investigation of Western myths and power structures and derives performative processes from them. The formats range from installations to workshops and stage productions.

Apart from the flock, a sheep encounters a wolf. To avoid being eaten, it devises a ruse. It asks the wolf to play the flute so it can dance one last time…

Based on a fable ascribed to the ancient poet and slave Aesop, the piece investigates figurations of resistance within asymmetrical power relations.

In »Queens« Mary Stuart and Elizabeth I are two washed-up, undead drag queens who have been living a shared existence in Limbo for some 500 years. Until an earthquake opens the gates to the present for them…

The piece is Anne Welenc’ writing and directing debut. Most recently, she has appeared as an actress in transdisciplinary performance projects such as »All in« and »Traumgirl.« In »Queens« she continues this practice by expanding the classical theater material with impulses from related performing arts.

N O T E:
Part of the performance includes loud noises, flickering lights (strobe effects) and fog. There are depictions and mentions of earthquakes, natural disasters, death, murder and explicit sexuality in it.

How much inequality can a global friendship take? Jorge Antonio Arias Cortez was born in May 1985 in Oruro in the Bolivian Altiplano, Nicola Fritzen in October 1978 in Berlin. For »Dos Vidas«, the two befriended actora subject their biographies to a comparison and stress test – with all the extremes, high points and painful details.

Since 1991 KLARA has been exploring different theatrical languages, new dramaturgies, and the blending of fictional and documentary performance. The two protagonists of »Dos Vidas« already know each other from the long-term research process for the last work »Palmasola«, which was shown at Ballhaus Ost in 2022.

Following the performance on Sunday, there will be a discussion format for German-Spanish language learning tandems. All language levels are welcome and no registration is necessary.

Después de la representación del domingo, hablaremos de lo que hemos visto en alemán y en español (tandems) para practicar nuestros conocimientos lingüísticos. Si es necesario, ¡con manos y pies – todos los niveles de idiomas son bienvenidos! El intercambio lingüístico es gratuito.

Across an unimaginable void lies a world inhabited only by Queer people. The theatre piece tells the story of how cracks arise in this utopia. Written and performed in Damiá, a Queer language, »The Crossing« asks if brand new words could be the place we finally build a home.

Written and performed entirely in Damiá, a Queer art-language developed by Aslan since they were a teenager, The Crossing was originally conceived of as a live stage performance. This film adaptation was created after the premiere and 2022 shows were cancelled due to COVID. The film is available online, free of charge, for two weeks from 28th February to 13th March 2023. The text is translated for the audience with subtitles into English and German.

Since 2012, Queer performance collective ONCE WE WERE ISLANDS — Chris Gylee and Aslan — have worked in the fertile ground between disciplines, combining theatre, film, choreography and research. The two performers deploy (auto)biographical narrative as well as meticulous research on Queer life realities for their poetic works.

The theater collective copy & waste places itself at the side of the dying and assembles their feverish narratives, great songs and otherworldly images into a many-voiced monologue for one actor. Hannes Schumacher plays and speaks Dostoyevsky and Kleist, Milow and Weil, Hölderlin and Schulze-Erdel and slips into the costumes of great paintings and film scenes.

The theater and performance collective copy & waste has been realizing plays since 2007. After works about the collapse of cities, the end of work and cancellation of nature, it dedicates its current series »Theater of Death« to dying. »bye, bye, bye« is the second part of this series after the theaterfilm »Besides, it’s always been the others who died«.

Following the performance on 4.3. the third part of »Die Suche nach der Ur-Oper« by Das Helmi will take place at the bar.

Three vocalists cook up a culinary experience from the internet healing phenomena Eating Show (Muk-bang) and ASMR, spiced with a global social problem: racially motivated violence against Asians, from the 20th century to current Asian Hate by COVID-19. With a fusion sound cuisine of internet cult, experimental vocal music and Asian world music, the piece shows the unheard perspectives of  Asians and invites the audience to question their own role in the post-migrant society.

N O T E:
The play addresses anti-Asian violence and is therefore recommended for audiences 16 and older

Hang Su is a composer of new music. He works on performative projects and experiments with new forms of musical theater.

Where can a group drift?
In »FIVE« five dancers investigate different arrangements, dynamics and poses within a group. They move between geometric formations, swarm behavior, band poses and chaos, work with movement motifs of packs and packs and repeatedly question the relationship between individual and group. They rock each other up, and are on the lookout for tipping moments in which the group body goes out of shape and tips over into the destructive.

After many duets by Florian Bücking and Raisa Kröger under the label bücking&kröger in recent years, the ensemble piece »FIVE« is an attempt to extend their dance / choreographic practice by working with several dancers and exploring the sculptural possibilities of a group body.

Für das Projekt »Re/Locating Amo« haben sich ghanaische und deutsche Theatermacher:innen zusammengetan, um Anton Wilhelm Amos Leben und Denken theatral zu deuten und für einen transkulturellen Dialog um Themen wie Rückkehr und Zugehörigkeit, Tradition, Identität und Philosophie als Anlass zu nehmen.

Gibt es den gerechten Tyrann:innenmord? Einen vertretbar militanten Widerstand? Einen ethischen Terrorismus? Schauspielerin Karin Enzler (Schweiz), Punkmusikerin Stéphanie Morin (Frankreich) und Choreographin Maque Pereyra (Bolivien) kämpfen sich in drei filmisch-performativen Solos durch die Geschichte bis zur Gegenwart.

Gerhart Hauptmanns Helene zeigt Auswirkungen von gesteigertem Alkoholkonsum im eigenen Milieu und ihrer Familie, von der sie sich bis zum tragischen Ende nicht lösen kann. Blomen, Moré und Reiniger hinterfragen Hauptmanns Text »Vor Sonnenaufgang« und ergänzen ihn mit eigenen und imaginierten Erfahrungen.

New session with Linda Fisahn, Christian Fleck & Lis Marie Diehl
June 2, 2022, 6.00 pm
After what feels like a hundred years, three members of the theater group I CAN BE YOUR TRANSLATOR meet again on the Reeperbahn and welcome the newborn baby, uncover the secrets of the father-to-be, and process together how things can and will continue with children and career. Head cinema guaranteed!

Felizitas Stilleke aunt, curator, dramaturg, artist and person, gathers in herself and in seven performative podcast sessions voices of international artists for a collective discourse rededication. Searching for words for not-yet/not-more/maybe/motherhood.

Asian mud-dauber Wasp, a relatively new citizen of Organisms Democracy with migrational background, meets Herring, who is visiting from Helsinki to learn about the governmental procedures of a system of Equal Rights for all Living Beings. Humans are invited to accompany the pair on an urban exploration into the wilds of a democratic ecosystem in Berlin Wedding. While fetching water for the notoriously dry state territory, they discuss the meaningfulness of democratization movements in relation to the internet. A mobile screen with autonomous power source serves as channel of participation and communication with another three urban explorations. These will happen simultaneously in the streets and parks of Zurich, Vienna and Amsterdam.

The artists group Club Real was founded in 2000 and is devising and realising participatory site-specific projects: Installations, one-to-one encounters, political role play scenarios and participatory urban development projects invite visitors to help shape alternative concepts of reality. Since 2018, Club Real has been working on the theme of Organisms Democracy – Equal Political Rights for all Living Beings. In 2019, Organisms Democracy Vienna was invited to Impulse Theater Festival.

»Remote Together – Reality Vaccine« is a format that seeks new digital and hybrid forms of shared theatrical experience while bringing together diverse international artists using new digital tools. For the first edition, Transit Productions Zurich is developing a series of simultaneous performances with theater maker Pankaj Tiwari (Amsterdam), the collective Club Real (Berlin) and visual artists Thomas Hörl & Peter Kozek (Vienna) that can be experienced both locally and digitally.

For the second time, the extremely mixed choir is making a guest appearance in Berlin. This time the group of amateurs and professionals explores ways of coexistence in the »Digitalocene«. How are contemporary technologies changing the way we live together? Can we act responsibly and without false anxieties in an environment of omnipresent, constant media exposure? In the midst of audience members, loudspeaker trees and cable groves an installative concert for human and non-human bodies takes place: a song about the loneliness of humans, about the love of the machines and the complexity of the world.

The extremely mixed choir is a multi-professional, diverse and intergenerational singing collective, which was founded in 2018 for the music theater production »Declaration of Dependence«. The artistic direction team consists of composers Lukas Huber and Leo Hofmann, director Benjamin van Bebber and scenographer Zahava Rodrigo. Together they search for possibilities of an integral interaction of space, music and scene in the compositional and staging process.

It is dark. There is nothing to see. Not a breath of air is stirring. Take a seat, sit back and open your nose and ears! Nothing is particularly beautiful, except perhaps the peace of absence. That is the starting point. In the midst of this darkness, Hysterisches Globusgefühl sets out in search of the beauty of collective experience. Between anarcho-flavours and groping bodies hovers the longing for the beautiful in the beautiful. Everyone desires something and we call this desire beautiful. But the beautiful is an imperative, a norm. And a norm is not beautiful. So should we strive for the beautiful, for truth and the good? Or is it all rubbish and we need to find something else? Smells and sounds mix with text and politics and a whiff of Hysterisches Globusgefühl is in the air.

Hysterisches Globusgefühl is a performance collective from Berlin and Vienna consisting of Elisabeth Lindig, Lea-Sophie Schiel, Arne Schirmel, Milena Seidl, Laura Steinl and Melanie Zipf. Since 2011, the collective has been developing performances that operate at the intersection of art and political action. The works focus on the questions of what politics is or could be, when it happens, and what it means to be political. These questions are addressed from a feminist and queer perspective. The collective also works in solidarity and wholeheartedly against heteronormative patriarchy and develops utopias for an anti-racist, classless, queerfeminist and livable future.

Der neue Film von Studio RPK »Als Susan Sontag im Publikum saß« wird mit vier performativen Previews präsentiert: diskursiv unterbrochen, literarisch ergänzt, musikalisch live vertont und mit verwandten Filmen verschnitten. Das Theater wird zum kollektiven Wohnzimmer des gemeinsamen Watchens und der Film kehrt an seinen Ursprung zurück.
»Als Susan Sontag im Publikum saß« basiert auf einer Performance von Studio RPK im Ballhaus Ost. 50 Jahren war es her, dass die berühmte Panel-Diskussion »A Dialogue on Women’s Liberation« in New Yorks Town Hall stattfand: Auf der Bühne stritten, lachten und perfortmen Norman Mailer, Germaine Greer, Jill Johnston, Jacqueline Ceballos und Diana Trilling. Im Publikum Susan Sontag, Cynthia Ozick und Betty Friedan, die intellektuelle Elite New Yorks. Die Filmemacher Hegedus und Pennebaker ikonisieren das Ereignis später mit ihrem Dokumentarfilm »Town Bloody Hall«. Aus dem Reenactment auf der Theaterbühne entstand mit »Als Susan Sontag im Publikum saß« ein filmischer Kommentar der Geschehnisse von 1971, ein tiefgründiger Schlagabtausch im Jetzt, dem Zeitalter von #MeToo.

Link zum Film: als-susan-sontag.de

Four performers and a humanoid sex robot engage in a game with surveillance technologies that analyse their emotions and classify them. They explore what it means to be »recognised« in the eyes of artificial intelligence. They hack their digital twins, transform and duplicate their physical bodies. Their gazes cross those of the camera, faces become instruments. In immersive soundscapes, the performers momentarily shake socially constructed categories perpetuated in technology. They make the area in between their world and discover the poetics of glitches – disturbances in the system. Gloria Höckner (they, them) deals with the relation of the body to technology and (power) structures. After »Futurecore 2000 – All Beats Are Beautiful« as part of »Introducing…« at the Performing Arts Festival 2020, »Sentimental Bits« is Glorias second collaboration with Ballhaus Ost.

Im Rahmen von BAM! – Berliner Festival für aktuelles Musiktheater 2022

Mit feministischer Brille widmen sich Alíenor Dauchez und ihr Team von La Cage hier einer Dekonstruktion von »Don Giovanni«. Die Handlung ist auf ein Filmset der Pornoindustrie verlegt, nicht immer geht es auf der Bühne jugendfrei zu. Scham wird zu einem wichtigen Schlüsselwort: Wer muss sich schämen hier, warum und wofür? Neben der passiven Rolle von Mozarts Frauen, die entweder Verführte, Betrogene, Verspottete oder Missbrauchte sind, kommt deren komplexe Psychologie in den Blick. Unerwartet tritt hierbei die Nebenfigur des Komtur aus dem Schatten und zeigt sich als wichtiges ergänzendes Glied eines von Männern dominierten Systems.
Trotz des extrem reduzierten Ensembles bleibt bei dieser Umkehrung (»renversement«) kaum eine Szene der Oper außer acht, mag sie gestreift werden auch nur im turbulenten Sprechdialog oder im Ausschnitt aus Opernfilmen, die mit dem Stück auch dessen Rezeptionsgeschichte reflektieren. Historische Einspielungen in originaler Besetzung werden unter den Händen Marta Zaparollis elektronisch verlangsamt oder verzerrt, andere Teile der Partitur in den Bereich alter und neuer Instrumente (Barockflöte, Synthesizer) übertragen – das sind Aufforderungen, »Don Giovanni« nicht neu nur zu sehen, sondern auch neu zu hören.

Die Musiktheatercompagnie La Cage wurde 2015 in Berlin und Paris gegründet. Sie bedient sich eines vielseitigen Repertoires, verbindet neue Musik mit Musik anderer Epochen und anderen Genres. In jedem Stück von La Cage wird eine musikalische Idee mit einer bildhauerischen Idee verknüpft. Der Blickwinkel auf den Raum und auf die Körper ist von der Tradition der Bildenden Kunst beeinflusst. Das künstlerische Team, das sich für die jeweiligen Projekte zusammen mit einem Musikensemble bildet, ist interdisziplinär und sucht nach neuen performativen Formen für das Genre Musiktheater.

Ein Paar zieht sich auf einer einsamen Berghütte zurück. Sie fechten, tanzen, singen. Als der Schneefall einsetzt, fangen sie an Ermittler:in zu spielen. Was ist in der Hütte vorgefallen? Sie tun so, als würden sie Zeug:innen befragen und Verdächtigen auflauern. Dieses True Crime Theater verknüpft Selbstfindung mit Spurensuche und Realitätsverlust mit Erkenntnisgewinn. Oder wird hier tatsächlich ein Verbrechen aufgeklärt? »Chalet Utah« nutzt Mittel, die im Lockdown Notwendigkeit waren, aber auch neue Wege eröffneten: Der Laptop als Mitspieler, die Kamera als Verbindungskanal und der Bildschirm als Bühne. Und für Zuschauende im Theatersaal immer auch die Möglichkeit, hinter die Kamera zu schauen.

Schauplatz International wurde 1999 von Anna-Lisa Ellend und Albert Liebl gegründet und hat seitdem über 50 Stücke, Performances, Aktionen, Filme und Hörspiele entwickelt. Im Ballhaus Ost war zuletzt ihre Trilogie (»Idealisten | Fundamentalisten | Egoisten«) sowie »Cap Escape Plaisance Club« zu sehen und als Shutdown Special der Live-Podcast »Le garage de la grande promenade (Part I & II)«, ein erster Entwurf von »Chalet Utah«.

Tremble. Touch. Sense if that rock is a rock or an alien. Harmonize with chemicals. Transform. Vibrate. Breath. Confound the »human« with your smell organs.Aliens embody the threatening – the absolutely different – the foreign, the other, the incomprehensible, the feminine, the wild, the chaotic and the monstrous! Their bodies guard the boundaries of the possible and threaten all order. In »COSMICBODIES« seven alien bodies move from their own inner world into outer space – until outer space and inner space merge.
»COSMICBODIES« is a dance piece for people with and without visual impairments and integrates an artistic audio description. After »Blue Moon« and »Witches«, is it is the third work by Ursina Tossi from »EXCESSIVE SHOWING you can only dismantle the master’s house with the monster’s tools!«, a choreographic series of critical queer-feminist perspectives on the constructions of femininity and monstrous bodies in the context of mythology, history(-ies) and pop culture.

»a woman must have money and a room of her own… hence, enlightened, responsible and sensationalist women have no choice but to overthrow the government… to let hundreds of stories and genders bloom… to embrace masturbation… for Bitches are beautiful… and we have nothing to lose – except our fear.« Manifestos have accompanied feminist movements since the very beginning. Their authors criticize the status quo, imagine new futures, call for the collective solidarity of a »we« and state demands. When Virginia Woolf wrote her manifesto »A Room of One’s Own« in 1929, she could probably not have imagined that almost a hundred years later, people would still be fighting for spaces, access and independence. So many of the feminist manifestos of the last century still read as surprisingly contemporary.In the installation </A “Manifesto” of= {every} One.s Own>, visitors encounter an archive of texts, sounds and images, an ensemble of stage technology and an artificial intelligence with whom they collaborate to assemble the puzzle pieces of past struggles into new contexts. At the same time, the installation explores the encoded space as a place to conceive of collective political action while following the traces of feminist history to engage with possibilities of a utopian future. Swoosh Lieu (Johanna Castell, Katharina Pelosi, Rosa Wernecke) was founded in 2009 at the Institute for Applied Theater Studies and develops performances, installations, radio plays and films. The queerfeminist collective creates temporary spaces and images in real time while addressing their fabrication. </A “Manifesto” of= {every} One.s Own> is their first collaboration with Ballhaus Ost.

Steuerschulden treiben Peisetairos und Euelipides ins Exil zum freien Volk der Vögel. Machthungrig redet Peisetairos den Vögeln ein, einer überlegenen Art anzugehören. Die Manipulation gelingt und als Herrscher über Götter und Menschen organisiert er den neuen Staat Wolkenkuckucksheim, beseitigt unwillige Untertanen und rekrutiert ein sich für ihn und seine Ideen begeisterndes Vogelvolk.
Der 2400 Jahre alte Stoff »Die Vögel« hat nichts von seinem anarchischen Humor und seiner kritischen Aktualität verloren. Possible World lassen nun in ihrer Adaption taube Welt, Taubenkultur und hörende Welt aufeinandertreffen. Was heißt Inklusion in einer Demokratie – und im täglichen Probenprozess? Ein tauber und eine hörende Regisseur:in, zwei taube, zwei hörende Darsteller und ein »child of deaf adults« (Coda) entwickeln für die Bühne inklusive Kommunikationswege in Deutscher Gebärdensprache, Lautsprache und Visual Vernacular. Es wird von Macht und Machtmissbrauch, Grabenkämpfen und vielleicht auch von Lösungen erzählt.

Das inklusive Theaterkollektiv Possible World wurde 2009 gegründet. Ziel ist es, ein inklusives Modell für die Zusammenarbeit von Tauben und Hörenden beständig weiterzuentwickeln und in die Kulturlandschaft einzubringen. In den Jahren 2009-2020 entstanden vier Theaterproduktionen: »Frühling Erwache!« (2009), »ME DEA(F)« (2011), »Die Taube Zeitmaschine – eine Lecture-Performance über die Geschichte der Gehörlosen« (2014) und »Ein Sommernachtstraum« (2018) sowie die Filmproduktion »WIR. I & II« (2013). Alle Produktionen entstanden in Kooperation mit dem Ballhaus Ost. »Vögel« ist die erste Zusammenarbeit von Possible World Regisseurin Michaela Caspar und dem Gebärdensprachpoeten Giuseppe Giuranna.

»The Wolf is crying and weeping in pain
As his love for little red is in vain
She has a crush on the handsome hunter*
And luckily, it’s them who want her
So sorry Wolf, you have to say bye
I guess in this story you have to die«
(old saying)

Der liebeskranke Wolf ertränkt seinen Kummer in Blut, Tränen und Karaokesongs.
Als einer der letzten Vertreter einer Weltordnung, die schon längst dem Untergang geweiht ist, schildert er uns seine Version der Geschichte, die keine Widerrede akzeptiert, bis endlich die anderen Protagonist:innen in Gestalt von Rotkäppchen und der Jäger:in die Bildfläche betreten. Der Wolf ist tot, es lebe der Wolf. Ein neues Zeitalter einläutend, feiern wir mit ihnen den kurzen Moment einer Utopie von Liebe und Solidarität, die jedoch schon bald in neue Formen von Unterdrückung mutieren wird.

Mit dem Rotkäppchen-Stoff im Gepäck, erzählt »WOLF« eine blutrünstige lovestory, die für einen Augenblick eine freiheitliche Vision aufscheinen lässt, bevor die Revolution ihre Kinder im ewigen Kreislauf von Fressen und Gefressenwerden doch wieder verschlingt.
Zusammen mit dem queeren Performer*innenpaar Lucy Wilke und Lotta Ökmen erzählt Sahar Rahimi & Team in eindringlichen Bildern vom allerletzten Aufbäumen alter und dem Erstarken neuer Systeme, von identitätspolitischem Getöse, romantischem Gesülze und falschen Gedärmen.

After a long break, »Dirty Debut« is back at Ballhaus Ost. It is the last time for the time being that Dirty Debüt provides a platform for four emerging performance artists to show their sketchy, unfinished, dirty works on a specific theme or concept. After the performances and as far as hygiene regulations allow, the audience is invited for a drink or dinner with a toast to the artists. »Dirty Debut« #9 will take place at Ballhaus Ost on December 18; the theme is »after life«.

Unlike in dance or acting, there is no university context in Berlin where performance makers can accompany and learn from each other from the very beginning of their careers. Most of them come here only after graduation, and many find it difficult to establish contacts outside their existing circles for years. Björn Pätz and Sandra Umathum therefore launched »Dirty Debut« in 2018 to increase the visibility of emerging performing artists as well as to reflect the spectrum of the performance landscape and to bring them together on one stage. In addition, »Dirty Debut« aims to facilitate an exchange about the presented works that leaves behind the usual logics of judging and criticizing.

Interested artists apply with a project proposal. For each edition of »Dirty Debut«, a jury then selects four submissions whose artistic approach and qualitative standards are considered independent and promising. The invited performance makers receive a small budget for the production, a minimal stage design as well as for materials and transport.

Cool sein wollen wir doch alle – also die meisten zumindest. Freimütig stehen hierfür unsere Körper offen, werden permanent gelesen und bewertet: aha, so sieht dieser Körper also aus, oh, nein, nein, cool ist was anderes, oh, warte mal, dieser Körper da, ja der, ziemlich großer Coolness-Faktor, thumbs up! Aber wer legte eigentlich die Bewertungskriterien fest und wieso sind diese seit Jahren so ziemlich gleich: nämlich kapitalismusorientiert und weiß? Und was ist mit den ganzen Körpern, die richtig schön vielfältig sind und deswegen durch dieses eng geformte Raster fallen: worin liegt ihre Schuld?In »Ich lieb dich nicht, du liest mich nicht – aha« steht ein solcher, nicht in die Norm passender, Körper im Mittelpunkt, wird permanent beobachtet und verurteilt: Elektra, eine junge Performerin, ist gefangen in ihrer Garderobe, wird gezielt daran gehindert, aufzutreten. Wird sie ihren Weg ans Licht finden? Und wer oder was steckt hinter der Sabotage?

Wir sind Hysterisches Globusgefühl: Mitte dreißig, weder richtig jung noch richtig alt und in der Blüte unseres Schaffens. Seit 10 Jahren machen wir Kunst, die um politische Erneuerung ringt. Aber dieses jugendhafte Streben nach dem Neuen ist in die Jahre gekommen. Höchste Zeit für etwas wirklich Innovatives: »Die neue Performance«!
Wir laden euch ein, uns in unser hysterisches Nimmerland zu folgen. Eingehüllt von der Zuckerwatte eurer Kindheit könnt ihr hier der Zeit beim Tropfen zuhören und gemeinsam mit uns altern. Während wir uns der Musik aus unseren schwermütigen Backfischjahren hingeben, frönen wir unserer Sehnsucht nach dem Neuen und feiern den Verfall unserer Körper. Jedes Ende beginnen wir von Vorn und hören nicht mehr auf anzufangen. Als Grandes Dames blicken wir in unseren Memoiren auf eine ereignishafte Zukunft zurück. Seid dabei, wenn wir als ewige Kinder in unseren Jungbrunnen steigen, als alte Frauen* wieder herauskommen und die Zeit zu einer magischen Pause gefrieren lassen.
Für den Eintritt in unser hysterisches Zeitalter ist es jedoch vorgesehen, dass ihr nicht alle gleichzeitig kommt. Nur so kann es gelingen, die Fesseln des ewig Linearen zu lösen. Mit einem gestaffelten Einlass werdet ihr jeweils Zeug:innen eines anderen Ablaufs unseres Theaterabends. Lasst uns auf diese Art gemeinsam unsere Vorstellungen von Zeit und Altern zersetzen. Fordern wir zusammen das politische Potential des Neuen aufs Neue heraus.

Hysterisches Globusgefühl ist eine performistische Vereinigung aus Berlin und Wien. Sie richtet sich mit vollem Herzen und solidarischer Zusammenarbeit gegen das heteronormative Patriarchat und entwickelt Utopien für eine antirassistische, klassenbewusste, queerfeministische und respektvolle Zukunft.
In ihren Arbeiten bewegen sich die Performer:innen an der Schnittstelle zwischen Kunst und politischer Aktion. Formen des Protests und Ästhetik der Subkulturen werden bei Hysterisches Globusgefühl verfremdet, auf ihre Grundformen reduziert und daraus neu entworfen. Antrieb ist die Suche nach alternativen Möglichkeiten, sich angesichts der diffusen politischen Verhältnisse zu positionieren. Die Frage nach bewusstem Handeln, politischer Interaktion und was Politik eigentlich ist oder sein könnte steht dabei im Zentrum ihrer Arbeit. Hysterisches Globusgefühl formierte sich erstmals 2011 und arbeitet seit 2016 am Ballhaus Ost. Zuletzt zeigte sie hier ihre Arbeiten Beim Anblick des Urknalls und Die Vier in der Nähe.

Mehr als 50 Jahre haben die Fans auf die nächste Episode gewartet! Nun ist es soweit! Doch wird das Staffelfinale die während des Wartens gealterten Fans begeistern können? Durch die Augen des melancholischen Pferdes und renitenten Affen schauen wir auf das Geschehen. Pippi macht sich die Welt noch immer, wie sie ihr gefällt. Ihre regelfreien und anarchistischen Prinzipien sind nicht weniger geworden. Und wir beobachten Annika und Thomas, wie sie sich in ihrem Kampf um ein selbstbestimmtes Leben verheddern. Doch alles weist auf Pippi zurück und hier entscheidet sich das Drama um Freiheit, Erwachsenwerden und ein erfülltes Leben. Es ist die letzte Episode der letzten Staffel. Das letzte und kompromisslose Kapitel einer Geschichte von Kindheit und Altwerden und unserem Verhältnis zur Welt. Beim Erzählen helfen dem Helmi Menschen aus aller Welt: eine legendäre Tänzerin aus Japan, einer der stärksten Männer Mexikos, eine achtzigjährige Aktivistin ebenso wie die Kinder aller Hinterhöfe von Berlin. Das Helmi hat die Erzählung um Pippi und ihre Freund:innen seit der ersten Präsentation im November letzten Jahres weiter gesponnen, zusammen mit Pippis echtem Vater, und Astrid Lindgren hat auch geholfen. Multiperspektivische Ansätze, philosophische Ideen und Pippi verdeutlichen uns, dass es nie eine einfache Lösung gibt. Vor Verkrustungen im Leben helfen nur Freundschaften und Humor. Aufgeben gilt nicht, das wusste schon Pippi!

Die Mäusefamilie arbeitet im Sommer hart und hortet Nahrung für den Winter. Frederick jedoch sammelt Sonnenstrahlen, Farben und Wörter. Als dann der lange Winter immer mehr auf die Gemüter der Mäuse drückt, kann Frederick seine Schätze hervorholen und bringt in einem großen Auftritt den Sommer in die kalte Höhle.Leo Lionnis »Frederick« erzählt vom Wert künstlerischer Arbeit in einer arbeitenden Gesellschaft und von der Kraft dieser Arbeit, ein wohltuender, wenn nicht sogar überlebenswichtiger Teil dieser Gesellschaft zu sein. Mit vorschlag:hammer wird der Kinderbuchklassiker zum Bühnenstück, denn Fredericks Schätze sind nichts weniger als die Grundelemente des Theaters: Farben, Licht, Wörter und Töne. Mit Hilfe der Kinder bedient Frederick die Theatermaschine und lässt sie auch selbst zu aktiven und kreativen Zuschauer:innen werden, die spielerisch die Mittel der Bühne kennenlernen und so gemeinsam das Theater entstehen lassen. vorschlag:hammer entwickeln seit 2009 als Kollektiv Theaterproduktionen. Ihr performatives Erzähltheater hat sich in den vergangenen Jahren für unterschiedlichste ästhetische Strategien geöffnet, zu visuell-atmosphärischen oder körperorientierten Arbeiten. Dabei adaptieren sie sowohl frei bereits existierende Stoffe oder entwickeln recherchebasierte Inszenierungen zu immer neuen Themenfeldern. Im Ballhaus Ost zeigten sie zuletzt »Twin Speaks: Telegram Edition«.

Schon zum zweiten Mal in Folge bringen Die Festspiele am Plötzensee vom 23. bis zum 29. Oktober 2021 allerlei Künste im Strandbad Plötzensee zusammen: Am 23.10. feiert das Theaterstück Diesseits von Gut und Böse seine Premiere, dazu gibt es eine Woche lang eine Ausstellung, Performances, Lesungen und Filmvorführungen zu besuchen. Ganz Berlin ist herzlich eingeladen, mit uns das Strandbad zu erweitern, aufzuladen und zu hinterfragen! Programm: »Diesseits von Gut und Böse«TheaterPremiere 23. Oktober 2021Weitere Vorstellungen 25. | 27. | 29. Oktober 2021jeweils 18.00 Uhr »Cala Blanca«AusstellungVernissage 23. Oktober 2021, ab 14.00 UhrAusstellung bis 29. Oktober 2021 Duygu Agal und Charlotte KrafftZwei Lesungen am Lagerfeuer, präsentiert vom Korbinian Verlag27. Oktober 2021, 19.30 Uhr »The Vachine Monologues« (Fan Popo)Filmvorführung25. Oktober 2021, 19.30 Uhr »Alles Rauchen | Smoking Everything«Performance29. Oktober 2021, 17.00 Uhr »Die Klassenfahrt«Performance mit musikalischer Begleitung27. Oktober 2021, 17.00 Uhr29. Oktober 2021, 19.30 Uhr

Wir sind eine ganz gewöhnliche Schulklasse und machen einen Ausflug ins Planetarium: Unsere Schule ist in Lomé, Berlin oder vielleicht auch Taipei, ein klein wenig in der Zukunft. Alle Großstädte ähneln sich. Auch Erwachsene können zur Schule gehen! Wir sind im Unterricht, bis die Schulglocke klingelt. Dann begeben wir uns in den Mittagsverkehr. Wir kommen zur Bushaltestelle, warten kurz, steigen dann ein und fahren bis zur Endstation am Waldrand. Dann steigen wir aus und wandern durch einen Wald zum Planetarium. Wir sind auch selber der Wald! Vom Planetarium aus reisen wir durch das Weltall. Eine freundliche und sehr engagierte Reisebegleiterin erklärt alles Nötige für unsere Reise ins Universum. Wir sind Passagiere und gleichzeitig Objekte im Universum! Wir reisen durch das Sonnensystem, die Milchstraße, die lokale Gruppe, den Virgo Superhaufen, die lokale Superstruktur bis zum Ende des sichtbaren Universums. Zum Schluss machen wir Rast auf einem beliebten Aussichtsplatz und genießen den schönen Blick…
Die gesamte Reise erleben wir tänzerisch. Wir haben verschiedene Hintergründe: Hip Hop, Ballett, Modern Dance, Philosophie, Physik, Performance und Traditional.

P.S. unser momentaner Forschungsstand bis zu Proxima Centauri:
Proxima Centauri ist ein roter Zwerg und zur Zeit der nächstgelegene Stern außerhalb unseres Sonnensystems. Er ist circa 4,2 Lichtjahre entfernt. Eigentlich ist es ein Dreifachsternensystem zusammen mit Alpha Centauri A und Alpha Centauri B. Proxima Centauri b und eventuell Proxima Centauri c, die potentiell erdähnlichen Planeten, umkreisen dieses Dreifachsternensystem in gebundener Rotation. Mit den Raumschiffen, die uns im Moment zur Verfügung stehen, brauchen wir wahrscheinlich 75.000 Jahre, um dorthin zu gelangen. Außerdem dürften sie nur einige Gramm wiegen. Wenn wir eine menschliche Generation mit 25 Jahren ansetzen, dann wird es sicherlich 3.000 Generationen dauern, bis das Raumschiff angekommen ist. Wenn wir errechnen, dass uns Proxima Centauri in 20.000 Jahren eine Zeitlang näher kommt und nur 3,2 Lichtjahre entfernt sein wird, eine Generation mit 30 Jahren angesetzt werden kann und wir in nächster Zeit noch etwas schnellere Raumschiffe bauen können, die auch schwerer sein dürften, dann brauchen wir wohl immer noch 57.142 Jahre und 1.904 Generationen, bis wir auf unserer neuen eventuellen Heimat angekommen sein werden. Das wäre von jetzt zurückgerechnet bis ins Paläolithikum.
Wir können aber auch in unserer Eigenzeit reisen, wenn wir uns an die allgemeine Relativitätstheorie halten und auf unserer Geodäte bleiben. Dann brauchen wir nur 1 Stunde und 20 Minuten und haben sogar das gesamte Universum durchquert. Hierzu orientieren wir uns an einer 2 Millionen Jahre alten Tradition, dem Tanz, und zwar dem Hip Hop Mix mit seinen verschiedenen Ausrichtungen.

Die NEWSTARDANCECOMPANY ist eine Hip Hop Mix Gruppe und besteht aus Tänzer:innen verschiedener Stilrichtungen, die sich zunächst in Lomé und später auch in Berlin regelmäßig treffen, um sich ihre Choreografien und Improvisationen gegenseitig beizubringen. Die NEWSTARDANCECOMPANY wurde von Meier Edem Akakpo und Koffi Mawuena Tchao 2010 in Lomé (Togo) gegründet. Hilère Anoumou Messan ist von Anfang an dabei. 2016 wurde Anne-Kathrin Tismer in Lomé in die Company aufgenommen. 2017 gingen Meier Edem Akakpo und Anne-Kathrin Tismer nach Berlin. Nuria Hoeyng und auch Dominique Wenzel sind in Berlin in die Company aufgenommen worden. Für »Der Ausflug« sind nun noch in Berlin Merav Leibküchler, Joy Maria Bai, Nora Fuchs, Kefei Cao, Charlotte Bohn, Okka-Esther Hungerbühler, Felix Loycke und Fabian Bischof dabei.

Program: Mazen Kerbaj »Learning Arabic« (2021), premiere | composition for 5 musicians (voices, objects, instruments) Ann Noël »YOU« (1982), Version 2021, premiere | vocal composition from 405 graphics of the letter I (i) Federico Barabino »Silencio Visual« (2011), premiere | composition for an open number of voices Annette Schmucki »staben« (2014) | composition for three toy pianos (3 keyboard rows of 13 keys each in the same octave range) and speaking voice(s) Gerhard Stäbler »SPEED« (1997) | composition for two groups of 3 vocalists Laura Mello | Nicolas Wiese »Hesitation Choir« (2021), premiere | composition for dynamic-typographic score, electronics and three-part vocal ensemble In their successful series »maulwerker performing music«, the Maulwerker present – after »Die Rache. Rachen, Mundhöhlen und andere akustische Räume« (2020), »Oberflächen« (2019), »Vokale Räume« (2018) and »Augenlieder. Körperkompositionen« (2017) – now »Typographies. On the musical interpretation of writing. Concrete Poetry & Graphic Notations«. There are two different axes underlying this program conceptually: conceiving language as musical material and, on the other hand, treating writing as graphic notation. The compositions interpreted this evening are notated exclusively through writing, in various graphic arrangements and typefaces, which are translated by the Maulwerker into speech-musical processes. The evening opens spaces between language and music, creating synaesthetic connections of sound and image. The written images and notations are made visible to the audience during the performance through projections, partly animated as live video. In the Artists Talk following the performance on October 14, the composers will talk about their works. The Maulwerker are a vocal ensemble, music performers, music theater makers and a collective of composers. They are specialists in the intersections of music and theater, music and language, in the interpenetration of music and space, of sound and silence. In addition to the classics of New (Vocal) Music and Experimental Music Theater – such as Schnebel, Cage and Fluxus – more recent tendencies form the focus of the work and thus the lively collaboration with contemporary composers, radio play authors, sound artists and directors, including works by the ensemble members themselves.

»KARELIA«, by performance collective ONCE WE WERE ISLANDS, imagines Queer lives beyond the city by exploring how love can thrive in quiet places. In a live stage-work, Gylee and Aslan explore desire, a new life close to the land, and the possibility of staying Queer alone among the trees. Deep in the forest they journey through time to three different worlds. Setting out from their house in the woods in the present day, the performers travel back to the time of the witch trials, and finally fly into a sci-fi future beyond the stars. »Can Queer lives flourish outside the city?« In Karelia, a region of forests straddling the border between Finland and Russia, the artists found a perfect place of inspiration within this territory of romantic legends — as well as the lonely reality of the forest itself. They asked: What are we fleeing from? What are we running to? The live performance, woven from words, begins at a table set for a feast in front of a handmade green-and-blue tapestry. The online film, meanwhile, streamed from the Ballhaus Ost website, compliments the onstage triptych with images of the Karelian forest, the dark rustling of leaves, and the cracking of branches underfoot. The two interwoven parts of KARELIA transform the forest into a third protagonist. »Does the forest render us vulnerable?« ONCE WE WERE ISLANDS work in the fertile ground between disciplines, combining visual art, performance, choreographic methodologies, and research. The two performers, originally from Manchester and London, employ (auto)biographical narrative as well as meticulous research on the realities of Queer lives in their poetic works.

Opera Lab Berlin verwandelt Karlheinz Stockhausens Konzertstück »Stimmung« für sechsstimmigen a cappella Obertongesang – einen Klassiker der jüngeren Musikgeschichte – in Musiktanztheater. Der meditative, harmoniesuchende und an Überirdisches appellierende Obertongesang atmet den Geist der Protestbewegungen der 60er und 70er Jahre. Seine Esoterik entfaltet ein künstlerisches Gegenbild zum kapitalistischen Rationalismus, zur westlichen Lebensweise und zum bürgerlichen Konzertritual. Unter der Leitung der Tänzerin und Choreographin Margaux Marielle-Tréhoüart erweitern die Sänger:innen die Musik mit den Körpern im Raum und hinterfragen das heutige Verhältnis zum Metaphysischen. Im Ballhaus Ost, in der ehemaligen Feierhalle der Freireligiösen Gemeinde Berlin, wird »Stimmung« gleichermaßen zu Gottes Totenmesse wie zum Wiederbelebungsversuchs seiner Überreste.Im März 2022 wandert die Produktion zum am Deutschen Nationaltheater Weimar neu gegründeten Festival »Passion :SPIEL«. Opera Lab Berlin ist ein freies Ensemble für zeitgenössisches Musiktheater und versteht sich als Labor der Stimme, des Körpers, des Instrumentalspiels und der musiktheatralischen Komposition.Margaux Marielle-Tréhoüart, geboren in Paris und aufgewachsen in Grenoble, ist Tänzerin und Choreografin. Seit drei Jahren verbindet sie eine enge Zusammenarbeit mit Opera Lab Berlin und den Regiearbeiten von Michael Höppner.

Ela Özmen is an actress. Franz Kramer a director. She was to play the lead role in his new production »meine Lulu«. Based on dramas by Frank Wedekind, the play is about a young sex worker and her downfall in a man’s world. He wanted to tell the story in a feminist way and explore toxic masculinity from a personal perspective. However, due to allegations of abuse against Kramer, the premiere was cancelled at short notice, with Ela at the center of the controversy. Now she speaks for the first time, publicly, from her perspective about the accusations. She reviews the rehearsals, remnants of stage and costume, as well as photos and film footage from that time. A mockumentary theater evening about abuse, MeToo, power structures, visibilities of sex workers and queerness, the future of theater and queer utopias.

»Das anschauliche Klaffen« beschäftigt sich mit dem Einbruch des Chaos in unseren intimsten Lebensbereichen am Beispiel des Mutter-seins. Der Akt des Aufräumen als Sehnsucht nach Kontrolle aber auch als rituelle Verbindung zum ursprünglichen Chaos und was davon noch in uns übrig ist, bildet die Grundlage dieses Tanzduetts.
Moss Beynon Juckes und Maria Walser, beide Mütter, spielen Familie, strapazieren Hierarchien und springen von einer Generationen zur anderen. Bedroht von einer Allianz des Haushalts aus Möbeln, Spielzeug, Büchern, Kosmetik, Bürokratie, Mutterbildern und Rollenklischees, suchen die beiden ihre eigene Ordnung mal miteinander, mal gegeneinander und erproben so gleichzeitig Strategien, Beziehung und Verantwortung immer wieder neu zu denken.
In der scheinbar geordneten Welt der Bühnenbildnerin Mirella Oestreicher und begleitet von den musikalisch zerlegten Schöpfungsmythen von Vera Pulido, werden die Urmütter, besungen, wie sie den ewigen Kreislauf von Chaos zu Ordnung bewerkstelligen. Sie dienen als Inspiration, wie wir beim spielen der überlieferten Rollenbilder, sowohl uns als auch die präexistenten Formen verändern können.
Für dieses Stück gilt: Was sich schon nicht organisch fügt, soll gefälligst anschaulich Klaffen.

How do places and spaces influence our thoughts, actions and experiences? What do spaces offer, what do they allow, demand or prevent? How do spaces emerge and change through what happens in them and with them? The festival »Labor Sonor : Translating Spaces« explores the power of space in contemporary experimental music and sound art. The motto of the festival is: Listen twice! The audience will have the opportunity to experience sound and music simultaneously or consecutively in changing situations, places and spaces. To this end, the festival presents nine original works by composers and installation artists, which will be presented over three days in extremely different locations. An accompanying symposium explores the development processes of the works premiered at the festival and brings artists and audiences into direct dialogue. Program at Ballhaus Ost:August 27, 20214.00-10.00 pm: »Auditory canals A and B – 2 proposals« – Installation (Sabine Ercklentz)4.00-10.00 pm: »A Small Leak of an Interior Monologue« – Installation (Raed Yassin)6.00-10.00 pm: »Reverse-Side« – for double video projection and 4-channels of sound (Joanna Bailie) August 28, 20213.00-10.00 pm: »Auditory canals A and B – 2 proposals« – Installation (Sabine Ercklentz)3.00-10.00 pm: »A Small Leak of an Interior Monologue« – Installation (Raed Yassin)6.00-10.00 pm: Eric Bauer | Lena Czerniawska | Carina Khorkhordina August 29, 20213.00-10.00 pm: »Auditory canals A and B – 2 proposals« – Installation (Sabine Ercklentz)3.00-10.00 pm: »A Small Leak of an Interior Monologue« – Installation (Raed Yassin)6.00-10.00 pm: »DREAM LIFE« (Frank Bretschneider)

»Social Capsule« ist das Wohlfühlwohnen von morgen. Sicher, sauber, einfühlsam und vor allem mobil! Die WELCOME HOME GROUP öffnet nun ihren Showroom und lädt in ein smartes Tiny House, das in 30-minütigen Einzelterminen zur Probe bewohnt werden kann. In freundlicher Koexistenz mit dem hauseigenen KI und der Augmented Reality-Mitbewohnerin ist mensch in jeder Ecke des Tiny Houses in bester Gesellschaft. Die persönliche Komfortzone wird zu einer Begegnungsstätte, die empathisches Miteinander bietet und anregt, ohne anzustrengen! Eine Berührung der eigenen vier Wände mit Emotionen on demand.»Social Capsule« fragt, welche Leerstellen digitales Miteinander aufweist. Kann das Gefühl von sozialer Distanz – ob als Folge zunehmender Digitalisierung, pandemiebedingt oder durch großstädtliche Vereinzelung – artifiziell substituiert werden oder gibt es ein Begehren, das nur das menschliche Gegenüber ausfüllen kann?Das Monopol Berlin, eine ehemalige Destillerie in Reinickendorf, ist das erste Zuhause des Showrooms der Welcome Home Group. Ganz im Sinne eines mobilen Tiny Houses zieht die »Social Capsule« von der urbanen Peripherie im September in den Holzmarkt, zwischen Cafe und Weinladen an der Mediaspree. Theresa Reiwer ist Medienkünstlerin, Bühnen- und Kostümbildnerin. In ihren Arbeiten kombiniert sie Augmented und Virtual Reality mit physisch begehbaren Räumen und verweist auf popkulturelle wie neoliberale Phänomene. Ihre narrative Rauminstallation »Slow Rooms« beschäftigte sich mit den Themen Künstliche Intelligenz und Kommodifizierung von Freizeit. Sie brachte ihr den Mart Stam Preis 2019 und das Berliner Nachwuchsförderstipendium Elsa Neumann ein. Als Szenenbildnerin für das Kino war sie zwei Mal auf der Berlinale vertreten (»Jibril«, »Glück«), ihre Bühnen- und Videoarbeiten wurden zum Impulse Theater Festival (»The Kids are alright«) und zum PAF (»Wüste Zukunft«) eingeladen.

»The Story of an Hour« is about Louise Mallard, who has just learned of her husband’s sudden death in an apparent train accident. Her sister Josephine attempts to deliver the news delicately since Louise suffers from a weak heart. She bursts into tears and locks herself in her bedroom. There, Louise is unexpectedly overcome with something she’s never felt before.

In the span of exactly sixty minutes, Kate Chopin’s short story unpacks and determines a utopia of self-determined transformation. First published in 1894, »The Story of an Hour« exemplifies this American writer’s work, but is still little known to readers outside of the United States. It will be performed for the first time on the German stage. For Marie Schleef and her team, the short story, in the form of an hour-long silent piece, becomes the basis for examining new narrative and dream spaces void of the spoken word. In this way, the artistic team expands on their experiments with visual and performative storytelling explored in two previous works. Together with the adaptation of the novel »To the Lighthouse« (Volksbühne Berlin, 2018) and »Name Her. Eine Suche nach den Frauen+« (Ballhaus Ost, 2020), a collaborative work by Marie Schleef, Jule Saworski, Anne Tismer, and Laura Andreß that was invited to the 58th Berlin Theatertreffen, »Die Geschichte einer Stunde | The Story of an Hour« completes Marie Schleef’s trilogy dealing with »rooms of emancipation« in which literature and history are investigated in terms of new and forgotten spaces of possibility.

Misty summer morning, Glitch and Copper Key are walking towards the Digital Park. They are friends. It’s 2101. The world has been flooded, and yes, that has challenged architecture ever since. As they pass, the »Safety, Sanity and Security« sign flashes on the door. A vague memory pops up, they remember they don’t remember. Caught in an autocratic virtual world that feeds them with synthetic fries, they wonder how long can they continue to adapt ? Will they succeed to hack the future?

Choregrapher Cécile Bally and Emma Tricard create with the foley artist Niels Bovri a dance performance based on a Science Fiction novel. Written collectively during workshops in Kortrijk, Santiago de Chile, Aix-en Provence and Berlin, »Die Ausschreitung« became a political thriller.

Emma Tricard, currently based in Marseille, graduated from the Master Exerce at the ICI-CCN in Montpellier. Dancer and choreographer, she loves to talk. Since 2015, she develops a choreographic research based on the observation and distortion between »saying« and »doing«. Thrown into an adventurous quest, she invents dances of conjugation, thinks her work in the future and plays humorously with the causal relationships between things, thoughts, movements and natural phenomena.

Cécile Bally is a Berlin-based choreographer with degrees in dance (HZT Berlin) and economics (École Normale Supérieure de Paris-Saclay). Her artistic work creates links between these two milieus and questions, with humor, the place of rationality and magical realism in performance. Cécile Bally anchors her work in the world of science fiction as a social critique and looks at predominant entities of current popular culture provoking dreams and nightmares at the same time.

Kokain ist die zweithäufigste illegale Droge in Europa. Handel und Konsum steigen europaweit stetig. 2021 wurden allein in Deutschland zwischen Januar und März 16 Tonnen Kokain sichergestellt, 2020 waren es insgesamt 10 Tonnen. Wer sich als Europäer:in als Drogenkurier verdingt, kann mit Glück an den unglaublichen Gewinnspannen im Handel mit dem weißen Gold teilhaben. Wer dabei in Bolivien von der Polizei aufgegriffen wird, landet mit hoher Wahrscheinlichkeit in Palmasola, dem größten Gefängnis des Landes. Der Ort nimmt in der zynischen Rankingliste der »härtesten Knäste« der Welt seit Jahren zuverlässig einen Spitzenplatz ein. Der bolivianische Staat stellt keine Zellen, sondern die Insassen müssen sich ihre Unterkünfte mieten, kaufen oder bauen, unter Umständen auch erkämpfen. Die Spannweite reicht von einfachen Pritschen bis zu komfortablen Unterkünften der Wohlhabenden und Bandenführer. Hier sitzen 70 Prozent der Häftlinge ohne Urteil ein. Viele warten seit Jahren vergeblich auf ein Gerichtsverfahren, doch ohne Geld gibt es auch kein Recht. »PALMASOLA« erzählt von den Überlebenstrategien, den Träumen und Albträumen der Häftlinge in der neoliberalen Versuchsanstalt und untersucht die Gesetzmäßigkeiten dieses »Staates im Staat«, die sich durch die Pandemie noch verschärft haben. Seit 1991 erforscht KLARA unterschiedliche Theatersprachen, neue Dramaturgien und die Vermischung von fiktionalen und dokumentarischen Spielweisen. Alle Produktionen sind Stückentwicklungen in einem kollektiven Prozess. In den Arbeiten der letzten Jahre fokussierte KLARA vermehrt gesellschaftliche Fragen zu sozialer Teilhabe und Ökologie. Wichtiger Teil der jüngsten Projekte war oft ein mehrjähriger Rechercheprozess. KLARAs künstlerischer Leiter ist der Regisseur Christoph Frick.

Oft ist es nur die ungewöhnliche Uhrzeit, die zu lange Atempause, diese ganz bestimmte Stimmlage oder einfach der übersprunghafte Einstieg ins Gespräch, der verrät, dass dieser Anruf alles verändert. Die Nachricht vom Tod eines geliebten Menschen überbringt. Eine Lücke reißt. Die Zeit gefrieren lässt und nichts danach mehr so ist, so sein kann, wie noch Minuten davor. Der Moment, in der die Trauer beginnt, bevor wir überhaupt den Tod vernehmen, verstehen oder von uns weisen können. Jede Zeitrechnung eine andere wird. Diesem Moment zwischen der Benachrichtigung und dem Annehmen des Unbegreiflichen, widmet die Performerin Tina Pfurr mit ihren Weggefährt:innen fünf Video-Miniaturen. Entlang und zugleich gegen jedwede Dramaturgie oder Logik folgt sie den fünf Phasen der Trauer. Weil sie geteilt werden muss. Weil sie politisch ist. Weil sie damit nicht allein ist. Weil wir viel zu selten dazu einladen und damit wichtige Räume zwischen uns verschließen. Weil wir doch wenigstens einmal diesen einen Song zu Ende hören müssen – ohne sie. Eine Trauernde erinnert sich in wortlosen performativen Stillleben an all die Täler, durch die sie gewandert ist. Stellvertretend für so viele von uns. Wieder und wieder durch Leugnung, Wut, Verhandlung, Depression und Akzeptanz. In unterschiedlichen Reihenfolgen und mit immer neuen Vertiefungen. Ohne Wertung. Die Geister, die hier gerufen werden, wollen und sollen sich verbinden. In der Trauer. Im Tod. Unbedingt im Leben. In uns. Tina Pfurr ist Performerin, Kuratorin und Schauspielerin. Sie arbeitet im Theater, für Film und Fernsehen und erarbeitet ihre eigenen Performances. Gemeinsam mit der Bühnen- und Kostümbildnerin Romy Springsguth und der Kamerafrau und Cutterin Ute Schall erschließt sie sich in ihrer sehr persönlichen Arbeit mit theaterbasierten Video-Sound-Essays ein neues künstlerisches Feld.

»Die Zerbrechlichkeit oder Hinfälligkeit des menschlichen Daseins als Maßstab zu nehmen bedeutet, grundsätzlich von einer zeitlichen Beschränkung sowie der physischen Unstetheit aller Erscheinungen auszugehen. Weil die Kunst hingegen traditionell für sich den Anspruch erhoben hat, unvergängliche Formalisierungen zu gestalten, galt sie auch immer als apotropäische Geste gegen die Vergänglichkeit. Als Ort, an dem Körper, in eine visuelle Form übertragen, verstetigt werden können, hält die Kunst der Gewissheit, dass alle Leiblichkeit, dem Prozess der sterblichen Zersetzung ausgeliefert ist, eine Vorstellung von Dauer entgegen.« (Elisabeth Bronfen aus »Vergänglichkeit im Blickfeld«) »Epilog:Abriss« führt uns in einen Raum, den wir im Leben nie sehen werden. Der nach unserer Zeit kommt, der sich mit dem Versuch beschäftigt, sich von seinem Besitz, dem Leben und dessen Umständen, zu trennen und der Kunst zu verschreiben. »Epilog:Abriss« soll das Publikum durchdringen, alle Sinne ansprechen, das Draußen vergessen machen, den Konzertraum zu einer neuen in sich geschlossenen Welt werden lassen. »Epilog:Abriss« soll mehr einen Zustand evozieren, denn einen zeitlich begrenzten Abend, die vielen dystopischen Formen der Gegenwart in eine utopische Idee von Zukunft verwandeln. Dabei werden verschiedene Revolutionen durchlaufen, in denen die Zuschauer*innen gemeinsam mit den Musiker*innen nach und nach die Kontrolle verlieren, sich mehr verabschieden müssen, um sich in eine morphende-transformierende Masse zu verwandeln und den Blick zu öffnen, für die Ungewissheit der Zukunft. LUX:NM contemporary music ensemble berlin ist ein Solist*innenensemble für Neue Musik, das sich seit seiner Gründung 2010 innerhalb kurzer Zeit zu einem international gefragten Ensemble entwickelt hat. Das undirigierte Ensemble widmet sich der Interpretation zeitgenössischer Musik und versteht sich zugleich als Initiator neuer Werke. Intensive Ensemblearbeit und enge Zusammenarbeit mit Komponist*innen ermöglichen außergewöhnliche Projekte, in denen Elektronik und genreübergreifende Ideen ihren Platz finden.

Du bist eine Person, wir sind vier. Du bist Zuschauer:in, wir sind Theater. Unsere Sehnsucht nach Nähe wandeln wir in ein lustvolles Spektakel nur für dich. Zusammen sind wir nah, wir sind keine Familie, nicht verheiratet und auf gar keinen Fall zu zweit. Zu viert bewegen wir uns ekstatisch und innig umeinander. Wir stoßen aneinander, wir reiben uns, wir wärmen uns gegenseitig – aber berühren tun wir uns wahrscheinlich nicht. Lange haben wir uns nur selbst gepudert, unergründliche Organismen in unseren Hautritzen erforscht und mit unseren Tränen den Abstand zwischen uns überwunden. Nach dieser ewig langen Zeit kommst du dazu. Und so performen wir exklusiv für dich die Auflösung jeglicher Exklusivität.

»Die Vier in der Nähe« ist eine Performance von Hysterisches Globusgefühl für nur eine Person im Publikum. In dem zwanzigminütigen Beziehungs Quickie suchen die vier Performer:innen nach Möglichkeiten eines grenzenlosen solidarischen Miteinanders und lassen sich selbst und ihre Beziehungsvorstellungen mutieren. Sie versuchen verzweifelt eins zu werden und drehen sich gemeinsam für eine einzige Person um Fragen, die sie immer aber nun mehr denn je beschäftigen und berühren. Was bedeutet es grundsätzlich miteinander in Kontakt zu treten? Wie können wir weicher werden? Und: wie bitteschön können wir vier Menschen auf einmal in die Augen schauen? Die Arbeit ist in Berlin im November-Lockdown 2020 in der 4. Etage des Ballhaus Ost entstanden.

Hysterisches Globusgefühl ist ein queer-feministisches Performancekollektiv aus Berlin. In ihren Arbeiten bewegen sich die Performer:innen an der Schnittstelle zwischen Kunst und politischer Aktion. Formen des Protests und Ästhetik der Subkulturen werden bei Hysterisches Globusgefühl verfremdet, auf ihre Grundformen reduziert und daraus neu entworfen. Antrieb ist die Suche nach alternativen Möglichkeiten, sich angesichts der diffusen politischen Verhältnisse zu positionieren. Die Frage nach bewusstem Handeln, politischer Interaktion und was Politik eigentlich ist oder sein könnte steht dabei im Zentrum ihrer Arbeit. Hysterisches Globusgefühl formierte sich erstmals 2011 und arbeitet seit 2016 am Ballhaus Ost.

»Wenn der Zeitpunkt gekommen ist, wird man an mich erinnern.«Katherine Briçonnet (ca. 1494–1526), Bauleiterin des Château de Chenonceau, Loiretal »Name Her. Eine Suche nach den Frauen+« ist die archäologische Mission einer alternativen Geschichtsschreibung aus weiblicher* Sicht. Die Long Durational Performance bildet ein performatives Lexikon prägender Frauen* und rückt dabei jene in den Mittelpunkt, die bislang einen blinden Fleck der Historiografie darstellten, um sie alle beim Namen zu nennen: Weibliche* Comicfiguren, Künstlerinnen*, Wissenschaftlerinnen*, Mütter*, Urgroßmütter*, Märtyrerinnen*, Spioninnen*, Kriegerinnen*, Herrscherinnen*, Aktivistinnen* und Superheldinnen*. »Name Her.« sucht und findet sie – unabhängig vom sozialen oder kulturellen Hintergrund, von A bis Z, in Form hunderter Schicksale aus der Weltgeschichte. Entstanden durch monumentale Recherchearbeit präsentieren Marie Schleef, Anne Tismer und Jule Saworski ein lebendiges Wissens-Triptychon aus YouTube-Schnipseln, Gewinnspielen, Reenactments, getanzten mathematischen Formeln – und den Lücken derjenigen Quellen, die endgültig verschollen sind. »Name Her. Eine Suche nach den Frauen+« formt nach »Die Fahrt zum Leuchtturm« (nach Virginia Woolf) den zweiten Teil einer Trilogie, die weiblichen* Positionen in der Darstellenden Kunst eine größere Sichtbarkeit und Stimme verleiht. Der dritte und letzte Teil »Die Geschichte einer Stunde« (nach Kate Chopin) wird im Januar 2022 im Ballhaus Ost uraufgeführt. Eingeladen zum Berliner Theatertreffen 2021.

Hysterisches Globusgefühl ist ein queer-feministisches Performancekollektiv aus Berlin. In ihren Arbeiten bewegen sich die Performer:innen an der Schnittstelle zwischen Kunst und politischer Aktion. Formen des Protests und Ästhetik der Subkulturen werden bei Hysterisches Globusgefühl verfremdet, auf ihre Grundformen reduziert und daraus neu entworfen. Antrieb ist die Suche nach alternativen Möglichkeiten, sich angesichts der diffusen politischen Verhältnisse zu positionieren. Die Frage nach bewusstem Handeln, politischer Interaktion und was Politik eigentlich ist oder sein könnte steht dabei im Zentrum ihrer Arbeit. Hysterisches Globusgefühl formierte sich erstmals 2011 und arbeitet seit 2016 am Ballhaus Ost.